La exposición montada en la capital italiana recupera su repertorio de signos para examinar cómo una práctica nacida en los márgenes de la Nueva York pre-digital continúa interpelando al espacio público y a la institución museística.
A través de este recorrido, la muestra expone las capas de un creador que entendió el dibujo como una forma directa de comunicación comunitaria y de intervención política.
El vínculo con Italia y los orígenes en la calle
La exhibición comienza trazando las coordenadas de su llegada a Italia y la posterior conversión de las calles en un soporte artístico.
En efecto, las primeras salas reúnen carteles, registros y las fotografías de Stefano Fontebasso De Martino, que documentan el paso de Haring por el Palazzo delle Esposizioni de Roma en 1984, cuando pintó sobre una motocicleta Yamaha y diversos objetos urbanos.
Este material dialoga con el universo de los Subway Drawings, aquellos bocetos realizados con tiza blanca sobre paneles publicitarios negros en el metro neoyorquino entre 1980 y 1985.
La reunión de estas piezas permite observar el tránsito del artista desde la inmediatez del transporte subterráneo hacia los espacios de exhibición formal, demostrando cómo la línea continua funcionó como un lenguaje accesible para la multitud que transitaba la ciudad.
Iconografía, íconos y activismo social
A medida que el itinerario avanza, la exposición se adentra en el alfabeto gráfico que definió la carrera de Haring y en su proyección hacia el activismo.
Por caso, la serie Icons, compuesta por figuras emblemáticas como el Bebé Radiante —símbolo de inocencia y potencial—, el Perro, el Ángel, el Hombre Alado y el Rostro de Tres Ojos, ponen de relieve las ambigüedades y cargas simbólicas que sintetizaron la búsqueda del autor.
Estos signos se entrelazan de forma natural con su producción de carteles, donde más de cien piezas gráficas abordan problemáticas centrales de su tiempo, desde las campañas sobre el SIDA y el desarme nuclear hasta el rechazo al apartheid y la defensa de la infancia, transformando la imagen gráfica en una herramienta directa de educación y cambio social.
Monumentalidad, tránsito y espiritualidad
El diálogo entre la escala monumental y el rito urbano cobra cuerpo en la sección dedicada al mural de la autopista FDR de Manhattan y a su última gran obra espiritual. La muestra reúne siete de los treinta paneles originales pintados en 1984 a lo largo del East River, restituidos a una altura similar a la original para recrear el efecto cinético que percibían los conductores al pasar a gran velocidad.
Esta experiencia de arte en tránsito encuentra una contrapartida en La vida de Cristo, un retablo terminado pocas semanas antes de su muerte en 1990. Utilizado en su propio servicio fúnebre en la Catedral de San Juan el Divino de Nueva York, este tríptico reinterpreta la tradición religiosa occidental para ofrecer una meditación secular y universal sobre el sufrimiento, la mortalidad y la trascendencia.
Cuerpo, deseo y el ritmo de los clubes
La corporalidad, el movimiento y la resistencia política atraviesan los tramos donde el deseo se encuentra con la cultura de los clubes nocturnos. Haring abordó la sexualidad, el erotismo y la visibilidad queer como afirmaciones de vida y comunidad en una época dominada por la crisis del SIDA y el conservadurismo.
Esta celebración de la existencia se alimentó de la escena musical neoyorquina de recintos como el Club 57 y el Paradise Garage, donde la danza y los ritmos urbanos dictaron la energía que el artista tradujo en sus célebres figuras en movimiento, portadas de discos y diseños escénicos.
Visiones apocalípticas y el arte para todos
El tramo final de la muestra examina la complejidad conceptual del artista a través de sus cruces con la historia y el compromiso comunitario. En la serie Apocalypse, creada en 1988 junto al escritor William S. Burroughs, veintidós litografías traducen en collages visuales los textos sobre el caos y la destrucción, reflejando la confrontación personal de Haring con su diagnóstico de SIDA.
Esta visión trágica convive con su incorporación de elementos del arte precolombino, africano e iconografías romanas, para cerrar con sus proyectos destinados a escuelas, hospitales y parques infantiles.
Comentarios Cerrados